sexta-feira, 27 de novembro de 2009

Modernismo


 Charles Ives

EUROPA
Dodecafonismo – As primeiras experiências dodecafônicas realizadas por Arnold Shoemberg, na década de 20, são suas Cinco peças para piano, op. 23, e Suíte para piano, op. 25. Nessas peças Shoemberg elabora um sistema de composição em que dispõe, segundo suas necessidades composicionais, as 12 notas em uma determinada ordem (a série dodecafônica), que deve ser respeitada ao longo da peça. Isso garante a unidade dos elementos utilizados dentro da composição atonal.
 

Serialismo – A prática dodecafônica, assumida por dois de seus alunos, Anton von Webern (1883-1945) e Alban Berg (1885-1935), assume diversas faces. O romantismo atonal de Berg em suas óperas Wozzek e Lulu, e o pontilhismo de Webern – inexistência de melodia, com sons pontilhados no silêncio – são considerados marcos na música do século XX. No pontilhismo, Webern isola cada uma das notas da série dodecafônica, evitando assim qualquer relação harmônica entre elas. Outra importante contribuição de Webern, que também tem a influência forte de Schoemberg, é a expansão da idéia de melodia de timbres: uma melodia pode ser criada não apenas mudando-se as notas, mas também mudando-se os timbres. Nesse sentido ele reinstrumenta uma obra de Johann Sebastian Bach (o cânon a seis vozes da Oferenda musical), na qual a melodia de Bach alcança os mais diversos instrumentos da orquestra. A textura pontilhista e a melodia de timbres tornam-se um fascínio entre os compositores mais jovens, que então expandem a idéia de série para os ritmos, para os timbres, para as intensidades, desenvolvendo o serialismo integral.
Arnold Schoemberg (1874-1951) nasce em Viena, onde passa grande parte da sua vida até instalar-se em Berlim. Autodidata, acumula grande erudição musical. É convocado para o serviço militar durante a 1a Guerra e reduz sua atividade como compositor. A escada de Jacob, iniciada em 1917, só é finalizada em 1922. Nessa fase elabora o método de composição dodecafônica. Em 1933, muda-se para Boston e, em seguida, para Los Angeles, nos Estados Unidos, fugindo das perseguições do nazismo. Além de grande compositor, destaca-se como professor e como teórico.
 

Neoclassicismo – Em sentido oposto à trajetória progressista de Shoemberg, o compositor Igor Stravinski busca os ritmos marcados e repetitivos das músicas rituais populares. Suas primeiras obras de impacto são os balés O pássaro de fogo, de 1910, Petrouchka, de 1911, e A sagração da primavera, de 1913. Assim como as obras de Debussy, têm forte influência sobre as escolas nacionais que perduram nessa época. De caráter marcante, Stravinski e sua música traçam os rumos da música atonal não-dodecafônica, fundando, em 1918, o neoclassicismo na música. Utiliza melodias extraídas do passado medieval e renascentista, de cantos populares e do jazz americano, que se misturam a um atonalismo repleto de dissonâncias. São dessa época A história de um soldado (1918) e As bodas (1923). Seguem esse caminho, entre outros, Paul Hindmith (1895-1963) e diversos compositores franceses.
Igor Stravinski (1882-1971) nasce em Oranienbaum, perto de São Petersburgo, na Rússia. Embora seu pai fosse músico, foi educado para seguir a advocacia, mantendo paralelamente seus estudos musicais. Aos 20 anos, passa a ter aulas com Rimski-Korsakov. O sucesso vem cedo na vida de Stravinski. Em 1910, Sergei Diaguilev, empresário do Balé Russo, encomenda o primeiro de uma série de balés, Pássaro de fogo. De 1920 a 1939, vive na França. Durante a 2a Guerra muda-se para os Estados Unidos e se torna cidadão americano em 1945. Entre seus discípulos americanos, destaca-se o compositor e regente Robert Craft.
 

AMÉRICA
Mesmo distante do centro das revoluções musicais do século, desenvolve-se na América uma nova música que tem como referência a obra inovadora de Claude Debussy. Os principais representantes desse movimento são os compositores norte-americano Charles Edward Ives (1874-1955) e brasileiro Heitor Villa-Lobos (1887-1959), que servem de modelos composicionais no continente, até o pós-guerra. Ambos encontram na harmonia atonal livre novas formas musicais para exprimir suas idéias.
 

Estados Unidos – De modo bastante radical e pioneiro, Charles Ives faz uso de intervalos microtonais menores do que o meio-tom entre as notas de uma escala cromática e também dos clusters, cachos de notas que tendem ao ruído, tocados com as palmas das mãos, ou mesmo com o antebraço, sobre as teclas do piano. Sua obra exerce influência direta sobre Henry Cowell, definindo uma nova vertente para a música norte-americana.
 

Brasil – Villa-Lobos utiliza combinações instrumentais inusitadas, como em seu Choro no 7, onde o clarinete deve ser tocado como se fosse um trompete, sem a boquilha, ou ainda em sua Suíte Sugestina, de 1929, onde três metrônomos – instrumento mecânico utilizado para marcar o andamento musical – são usados como instrumentos de percussão. Bastante admirado por compositores europeus, especialmente pelos franceses Darius Milhaud (1892-1974), Olivier Messiaen (1908-1992) e Edgard Varese (1885-1965), permanece como um dos marcos da música brasileira. 

 












domingo, 22 de novembro de 2009

Dia Da Música

Dia da Música - 22 de Novembro

A palavra "música" é de origem grega
e significa "referente às musas".
De acordo com a mitologia grega,
as musas eram nove deusas 
que inspiravam as pessoas
na arte de fazer poesia e música.

Segundo o Dicionário Novo Aurélio, música é "arte e ciência de combinar os sons de modo agradável ao ouvido". Já o Dicionário Houaiss define-a como "combinação harmoniosa e expressiva de sons [...]; arte de se exprimir por meio de sons, seguindo regras variáveis conforme a época, a civilização etc.".

Na Pré-História, o ser humano descobriu os sons do ambiente que o cercava: o rumor do mar, dos rios e das cascatas, o ruído do trovão, o canto dos pássaros, as vozes dos animais, o barulho do vento contra as folhas, o zumbido dos insetos, o som dos passos de outros seres humanos e, sobretudo, o maior instrumento musical humano: a voz. A música pré-histórica, contudo, não é considerada como arte, visto ser um veículo expressivo de comunicação, sempre ligada às palavras, aos ritos e à dança.

Com o decorrer do tempo, o ser humano inventou instrumentos musicais para expressar seus sentimentos. Desse modo, surgiram os instrumentos de cordas, de percussão e de sopro. Hoje, os computadores auxiliam cientistas e artistas nas várias atividades musicais, desde a elaboração de uma simples partitura até a produção de sons inimagináveis outrora.

A música, por seu turno, recebeu vários nomes: absoluta (ou pura), aleatória, atonal (ou dodecafônica), clássica, concreta, country, cromofônica, de câmara, de cena (ou incidental), de janízaros (ou turca), eletroacústica, de programa, descritiva, de estante (ou de facistol), folclórica, eletrônica, espacial, experimental de vanguarda, gospel, klesmer, instrumental, magnetofônica, minimalista, modal, pop, popular, programáticas, sacra, serial, sertaneja. Essa arte dos sons organizados está, portanto, em constante expansão. No futuro talvez o ser humano possa ouvir a música das esferas, tão decantada pelos pitagóricos.


PARABÉNS A TODOS QUE FAZEM DESTA ARTE UM MODO DE VIDA!

terça-feira, 10 de novembro de 2009

Impressionismo


Heitor Villa-Lobos

Esse movimento surge na França, em meados do século XIX, como um novo modo de percepção do mundo, que se reflete principalmente na música e nas artes plásticas. A arte do extremo oriente fonte de inspiração dos impressionistas se revela na valorização da sonoridade dos instrumentos musicais e dos jogos harmônicos. O principal representante desse movimento é Claude Debussy (1862-1918), que se afasta das temáticas épicas do romantismo. Retoma, em seu quarteto de cordas, elementos modais da música européia do passado, escalas de origem oriental e uma sucessão de acordes que recombinam as notas como modo de modificar o colorido harmônico. Exerce influência sobre Maurice Ravel (1875-1937), Erik Satie (1866-1925) e diversos compositores de movimentos nacionais, como o brasileiro Heitor Villa-Lobos (1887-1959), o húngaro Bela Bartok (1881-1945) e o russo Ígor Stravinski (1882-1973).
Claude-Achille Debussy (1862-1918) nasce em Saint Germain-en-Laye, perto de Paris. Aos 11 anos ingressa no conservatório de Paris, onde surpreende seus professores com harmonias inusitadas. Recebe, aos 22 anos, o cobiçado Prêmio de Roma (tal como Berlioz). Entre 1890 e 1900, compõe a ópera Pelléas e Mélisande, tornando-se reconhecido por toda a Europa, a Suíte bergamasque para piano, o Quarteto de cordas de 1893, La mer (O mar) e Imagens para orquestra e os dois volumes de Prelúdios para piano. No final de sua vida segue um novo caminho, afastando-se do impressionismo, como se vê em Jeux. Morre em 1918, durante um bombardeio sobre Paris, oito meses antes da vitória francesa.








quarta-feira, 14 de outubro de 2009

Romantismo

Beethoven

Sobre bases tonais sólidas, o período romântico é o derradeiro momento da música tonal. As formas livres, lieds, prelúdios, rapsódias, o sinfonismo, o virtuosismo instrumental e os movimentos nacionais incorporam elementos alheios à tonalidade estrita do classicismo e esta lentamente se desfaz.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) nasce em Bonn, Alemanha, e estuda música por exigência de seu pai. É mandado para Viena, em 1792, para completar sua formação, onde permanece por toda a vida. Tem aulas com Haydn e pratica composição dramática com Antônio Salieri. Apesar do temperamento irascível e compositor de uma música considerada difícil para a sua época, é bastante prestigiado em Viena. Em 1798, percebe os primeiros traços de surdez, isola-se e fica mais agressivo. São repertório obrigatório as suas nove sinfonias, quartetos de cordas, 32 sonatas para piano, variações para piano, entre muitas outras composições.

Lied – Curtas canções para piano e voz e facilidade melódica (o novo lirismo), para melhor exprimir os sentimentos mais íntimos, compõem as características principais dos lieds (canção, em alemão). Esta forma é desenvolvida por Franz Schubert (1797-1828), Robert Schumann (1810-1856) e mais tarde por Johannes Brahms (1833-1897). Inicialmente os textos são retirados da poesia romântica alemã de Goethe (1749-1832) e Heine (1799-1856). Também são características da época das formas livres como os prelúdios, rapsódias, noturnos, estudos, improvisos etc., presentes na obra de Frederic Chopin (1810-1849) e Franz Liszt. Essas peças são geralmente para piano solo e realçam o virtuosismo instrumental, dividindo a importância do concerto entre a obra e a presença do intérprete. Tal tradição já vinha do classicismo, em que diversos compositores eram instrumentalistas virtuoses, como é Niccoló Paganini (1782-1840).
Sinfonismo – Compreende obras para grandes orquestras e privilegia o virtuosismo. Destaca-se a obra de Johannes Brahms, com suas quatro sinfonias, dos franceses César Franc (1822-1890) e Hector Berlioz (1803-1869), que revoluciona a concepção da orquestra clássica ao acrescentar mais instrumentos em sua Sinfonia fantástica, op.14, de 1830, reformulando os modos de instrumentação vigentes em sua época.

Escolas nacionais – A música do final do século XIX, embora imbuída do individualismo, reflete as preocupações coletivas relacionadas aos movimentos de unificação que marcam a Europa no período. As composições unem o pensamento nacional às melodias populares. Representam as escolas nacionais os compositores tchecos Smetana (1824-1884) e Antonin Dvorak (1841-1904), o escandinavo Grieg (1843-1907) e os russos A. Borodin (1834-1887), Modest Mussorgski (1839-1881) e Rimski-Korsakov (1844-1908). Sua música é marcada pelo modalismo e pelo colorido das melodias populares.

Extremos da tonalidade – A consolidação do romantismo liga-se ao poema sinfônico de Liszt e à ópera de Wagner. Com a obra desses dois compositores ocorre a revolução harmônica. A música deixa de repousar sobre uma só escala, em modulações tradicionais, e torna-se livre. A cada momento o ouvinte está dentro de uma nova escala. A tensão harmônica é tamanha que a velha harmonia entra em colapso. Tudo para atingir o máximo de expressividade. Nesse movimento, Liszt retoma elementos da música modal, trazidos das melodias populares e do modo de cantar dos povos da Hungria.

Franz Liszt (1811-1886) nasce na Hungria e estuda música em Paris. Aos 12 anos, exibe pela Europa sua extrema agilidade ao piano. Vive amores conturbados, sem jamais se casar. É pai de um filho e duas filhas (a última, Cosima, se casa com Wagner). Recolhe-se à Ordem Terceira de São Francisco, em Roma, torna-se abade, recusando o sucesso e a glória. Nesse período, compõe obras que antecipam o atonalismo expressionista alemão. Entre suas obras destacam-se Rapsódias húngaras, Sinfonia Fausto, Funerais (harmonias poéticas e religiosas) e Bagatela sem tonalidade.

Richard Wagner (1813-1883) nasce em Leipzig, Alemanha, e cresce num meio familiar formado por atores. Escreve, ainda na infância, tragédias em estilo grego e shakespeariano. Aos 15 anos dedica-se a estudar música. Sua primeira ópera de grande porte é Rienzi, sob influência da ópera francesa. O sucesso vem com O navio fantasma. Depois virão: Lohengrin, O anel dos nibelungos, Mestres-cantores. Participa de movimentos sociais em 1848 e 1849. Em Tristão e Isolda, de 1865, reivindica o retorno do drama ao seu caráter religioso (ritual) primitivo.

Verismo – A utilização de temática cotidiana, na qual os personagens não são heróis mitológicos, mas pessoas comuns, constitui o verismo termo originado da palavra vero (verdade em italiano), que corresponde na ópera à literatura naturalista do francês Émile Zola. Pode ser notado nas óperas dos italianos Giuseppi Verdi (1813-1901) e Giacomo Puccini (1858-1924) e do francês Georges Bizet (1838-1875). São óperas representativas desse período La traviata, de Verdi, La bohème, de Puccini, e Cármen, de Bizet.

Romantismo tardio – Após a virada do século, as idéias de Wagner perduram em obras de compositores-regentes, voltados principalmente para a escrita orquestral, como Richard Strauss (1864-1949) e Gustav Mahler (1860-1911). Esses compositores introduzem as grandes massas orquestrais , corais chegando a mais de mil pessoas (Sinfonias no 8, de Mahler), e sinfonias de longa duração, compreendendo por volta de uma centena de temas (Sinfonias alpinas, de Strauss). Inovam ainda com o uso de recursos instrumentais que enfatizam o caráter programático da música (os instrumentos de metal imitando carneiros no Don Quixote de Strauss; o som dos sinos das igrejas na primeira Sinfonia de Mahler).




sábado, 3 de outubro de 2009

Classicismo

Mozart

O passo definitivo para a música tonal é dado com a sonata clássica. Nela os momentos de tensão e relaxamento tornam-se a base da construção formal de obras para instrumento solo e posteriormente para quartetos de cordas, trios e sinfonias. Haydn e Mozart fazem da sonata a forma musical mais importante do final do século XVIII e início do século XIX. Esse projeto é levado às últimas conseqüências por Beethoven. Suas sonatas deixam de ser jogos de divertimento ou variações sobre as melodias principais e se tornam uma profunda rede de interrelações entre ritmos, melodias e timbres. Junto com Franz Schubert (1797-1828), Beethoven abre as portas para o romantismo.

Sonata – O termo sonata tem sentidos diferenciados. No século XVII, designa uma peça polifônica, instrumental, que se opõe à sinfonia, que é mais homofônica; posteriormente, tem-se a sonata de igreja, em estilo de fuga, e a sonata de câmara, composta de uma suíte (seqüência) de danças. Com Boccherini e Carl Phillipp Emmanuel Bach, filho de Johann Sebastian, a sonata toma a forma que perdura até o século XIX: uma estrutura em três movimentos, com dois temas principais, que são desenvolvidos por meio de variações rítmico-melódicas e da modulação.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) nasce em Salzburg, na Áustria, filho de Leopold Mozart, compositor e professor de música. A partir dos 6 anos, é levado a diversos países, onde demonstra seu talento ao piano. Aos 10 anos compõe seus primeiros oratórios e sua primeira ópera cômica. Em 1781 se estabelece em Viena. Após uma temporada em Praga, volta para Viena e compõe a ópera A flauta mágica, no ano de sua morte. Deixa mais de 600 obras entre as quais 20 óperas; 15 missas (incluindo o famoso Réquiem); 100 canções, árias e corais; 50 concertos para instrumento solista e orquestra; 17 sonatas para pianos; 42 sonatas para violino e piano e 26 quartetos de cordas.





sexta-feira, 25 de setembro de 2009

O Pré-Classicismo

El Minueto

Ópera Napolitana

Desde o início a ópera é a música mais popular na Itália, fazendo a transição entre o barroco e o classicismo. O seu principal compositor é Alessandro Scarlatti (1660-1725), pai de Domênico Scarlatti (1685-1757), e a cidade de Nápoles é o centro da atividade operística. Sob domínio espanhol de 1522 a 1707, Nápoles difunde o estilo musical que predomina no século XVIII. Da ópera napolitana são importantes: as grandes árias, realizadas em solos ou duos dos personagens; a distinção entre ópera séria (de temática erudita) e ópera bufa (de temática retirada do cotidiano, que não se confunde com a chamada ópera cômica); a inclusão de melodias ao gosto popular; e os invariáveis happy ends, tornando a ópera um gênero musical leve e popular. Entre seus compositores destacam-se Niccolo Jommelli (1714-1774) e Davide Perez (1711-1778) compositores napolitanos que serviram à corte de Lisboa , Alessandro Scarlatti e também Joseph Haydn (1732-1809).
Alessandro Scarlatti (1660-1725) é nomeado mestre da capela real de Nápoles em 1648, função que ocupa até sua morte. Leva a ópera napolitana a limites inusitados. Escreve 115 óperas, 700 cantatas, mais de 200 salmos, inúmeros oratórios e diversas peças de música de câmara. A maior parte dessa obra permanece em manuscritos. Pai de Domênico Scarlatti, que anos depois revoluciona a escrita para teclado. Joseph Haydn (1732-1809) começa a compor muito jovem, dirigindo uma pequena orquestra para o conde Morzin. Em 1761 é chamado para dirigir a capela de música dos príncipes Esterhazy, aos quais serve até sua morte. É responsável pela lapidação formal da música instrumental, tendo deixado 104 sinfonias, 50 sonatas para piano e 80 quartetos de cordas. É considerado o principal compositor da escola napolitana.



Haydn London Synphony N° 101 in D Major "The Clock"


terça-feira, 22 de setembro de 2009

Música no Período Barroco

Antonio Vivaldi

No período que vai de 1660 a 1750, predomina uma música vocal instrumental voltada para o texto a ser cantado. É a época das primeiras óperas, das grandes cantatas e oratórios e da fuga, definindo o início da música tonal. A polifonia, com as vozes melódicas independentes do coro, cede lugar à homofonia. As melodias são simples, acompanhadas, facilitando a compreensão do texto. A música instrumental tem lugar privilegiado. Além de pontuar as óperas com passagens instrumentais, desenvolve-se como linguagem independente, favorecendo o virtuosismo técnico. A matriz composicional deixa de ser o conjunto vocal de diversas vozes, dando lugar aos instrumentos de teclado: órgão, cravo, espineta (O cravo bem temperado, Prelúdios e fugas para órgão, de J.S. Bach; as Sonatas de D. Scarlatti).

MÚSICA TONAL
Na música tonal, os modos medievais e suas variantes são substituídos pelos dois modos tonais: o modo maior e o modo menor.
As alturas – as notas – são organizadas em um desses dois modos, a partir de uma das 12 alturas cromáticas (as sete notas mais suas alterações, sustenido ou bemol), as quais dão nome à tonalidade: dó menor, dó maior, ré maior etc. O jogo principal é a resolução das tensões harmônicas sobre o acorde principal da tonalidade.
O grau de tensão é aumentado de acordo com as dissonâncias, ou a partir do recurso de modulação a passagem de um modo a outro.

PRIMEIRAS ÓPERAS
A primeira ópera de que se tem conhecimento é Dafne, de Jocopo Peri (1561-1633), apresentada em Florença, em 1597, seguida de A representação da alma e do corpo, de Cavalieri, em 1602. Essas primeiras óperas têm dificuldade em concatenar música e cena e os textos são pouco claros. Em Orfeu, de Monteverdi, de 1607, esses problemas estão superados. A orquestra de Orfeu é renascentista, com instrumentos de base (contínuos), formando um conjunto de sopros e cordas. Monteverdi cria uma variedade de coloridos sonoros ligados às diversas situações expressivas da ópera, como os metais sempre associados ao inferno. Abre espaço para solos vocais recitativos, onde o cantor fica mais livre para declamar e atuar.
Fora da Itália, a ópera se desenvolve tardiamente. Na Inglaterra, com Henry Purcell (1659-1695), e na França, com Jean Baptiste Lully (1632-1687), um italiano naturalizado francês, que retoma a tradição dos Balés de Corte, enquadrando seu trabalho dentro do grande movimento cultural francês da época, em que despontam Molière, Racine, La Fontaine, entre outros.
Claudio Monteverdi (1567-1643) nasce em Cremona e torna-se aluno de Marc-Antoine Ingegneri, mestre da capela de Cremona. Passa 12 anos de sua vida servindo ao duque de Mântua, para quem produz diversas óperas (Orfeu, O combatimento de Tancredo e Clorinda) e diversos livros de madrigais. Em 1613, é nomeado mestre-capela de São Marcos, em Veneza. Cria o concitato, um estilo musical agitado que busca exprimir os tremores profundos da alma.
Oratório, cantata e fuga – O oratório e a cantata são formas vocais dramáticas não encenadas. Junto com o ricercari, as suítes de danças, as tocatas para instrumentos solistas, o concerto grosso onde um dos instrumentos é destacado e a sonata, levam adiante a música tonal. A partir do antigo ricercari desenvolve-se a fuga, forma musical baseada no princípio de imitação: uma voz melódica acompanha a outra com uma certa defasagem, caminhando as duas simultaneamente, num jogo polifônico. O mestre dessa forma musical é Johann Sebastian Bach
Johann Sebastian Bach (1685-1750) nasce em Eisenach, na Alemanha. Órfão, é educado por um tio. Começa como cantor na igreja de São Miguel em Lüneburg, passando a violonista na corte de Weimar. Em São Bonifácio de Arnstadt, consegue seu primeiro cargo como organista. Dedica grande parte de sua obra a ofícios religiosos (oratórios, cantatas, corais) e formações instrumentais (Oferenda musical, A arte da fuga, Concertos brandenburgueses, Concerto duplo para oboé e cravo), tendo desenvolvido uma escrita particular para instrumentos solistas (Partitas para violino solo, Suítes para violoncelo solo) e para teclados (Prelúdios e fugas para órgão, Livro de Ana Magdalena Bach). É um dos pioneiros no uso do temperamento – afinação dos instrumentos de teclado que permite tocar em mais de uma tonalidade sem a necessidade de reafinar o instrumento – como nos seus prelúdios e fugas do Cravo bem temperado.
Concerto grosso – Junto com a sonata, é uma das formas instrumentais mais importantes da música barroca. Se baseia no contraste entre duas massas sonoras diferentes. Um pequeno grupo chamado de concertino, é sempre repetido por um grupo de maior dimensão: o tutti (do italiano todos). O concertino consiste de um trio de cordas e alguns sopros. Um instrumento, o continuo, garante a fusão harmônica das linhas melódicas dos dois grupos. Essa forma musical teve dois grandes mestres: Arcangello Corelli e Antonio Vivaldi.
Antonio Vivaldi (1678-1741) nasce em Veneza, Itália. Filho de violinista, estuda música e teologia ainda jovem. Ordena-se padre pela Igreja católica e é chamado de o "padre vermelho", dada a coloração ruiva de seus cabelos. Sua música instrumental é um dos pontos altos da escritura musical italiana da primeira metade do século XVIII. É inovador no uso de escalas rápidas, arpejos extensos e registros contrastantes em suas peças. Desenvolve principalmente a escrita para cordas, em especial o violino. Muitos de seus inúmeros concertos para instrumentos solistas e orquestra, concertos grossi, sonatas, óperas e peças corais são ainda hoje desconhecidos. Sua obra esperou até a metade do século XX para ser reconhecida. De suas peças a mais popular é o ciclo As quatro estações.



quarta-feira, 16 de setembro de 2009

Música Clássica no Renascimento


Nos séculos XV e XVI a música vocal polifônica passa a conviver com a música instrumental nascente. Destacam-se a polifonia franco-flamenga (França e região de Flandres parte da Holanda e Bélgica atuais), a polifonia da escola romana e a música dos madrigalistas italianos.

Polifonia Franco-Flamenga:
Herdeira direta da polifonia da Ars Nova, a música da França e região de Flandres realiza profundas mudanças na linguagem polifônica.
As vozes deixam de ser heterogêneas (sonoridades mistas resultantes de textos diferentes simultâneos) e entrecortadas, tornando-se alargadas e homogêneas. A rítmica extremada cede lugar à naturalidade das linhas melódicas, não submetidas às proporções matemáticas da Ars Nova.
O moteto dá lugar à canção, ao madrigal e à missa

Primeira geração:
– Destacam-se Gilles Binchois (1400-1460) e Guillaume Dufay (1400-1474), que, tendo participado por nove anos do coro da capela papal em Bolonha, acrescenta à polifonia a sinuosidade das melodias italianas.


Segunda geração:
– É marcada pela música de Johannes Ockeghem, com quem a polifonia, de no máximo quatro vozes, é ampliada até 36 vozes simultâneas, caracterizadas por fluxo contínuo, ritmo brando e complexo.

Johannes Ockeghem (1420-1491) nasce em Termonde, na região de Flandres Oriental, e estuda com o mestre polifonista Binchois. Em 1452, torna-se mestre-capela dos reis da França, em Paris, e tesoureiro da Abadia de Saint Martin de Tours, em 1459. Dele foram conservadas 17 missas, sete motetos e 22 canções e o primeiro réquiem polifônico conhecido.

Terceira geração:
– Destaca-se Josquin des Près, que volta a empregar conduções vocais em movimentos paralelos, com uma melodia marcada por rítmica mais uniforme. Os motetos são retomados, com um forte simbolismo musical que realça o conteúdo expressivo das obras. É dessa época também o surgimento dos primeiros editores de música: Veneza (1501) e Paris (1527).


Quarta e quinta gerações:
– É representada por Adrian Willaert (1480-1562), discípulo de Josquin, e por Orlando di Lasso (1532-1594), compositor de 70 missas, 100 magnificats e mais de 200 madrigais, entre outras obras.


Escola Romana:
No século XVI, em Roma, um grupo de compositores faz música predominantemente religiosa, fundindo elementos da escola franco-flamenga com a riqueza das melodias italianas.
A escola romana retoma o canto gregoriano na composição polifônica, atendendo às exigências da Contra-Reforma.
Seu principal representante é Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594), cuja obra é modelo para as escolas posteriores. A independência entre as vozes melódicas, o equilíbrio harmônico (nenhuma voz sobressai a outra) e a melodia agradável são ressaltados nos tratados de Berardi, no século XVII, e de Fux, já no século XVIII.

Madrigalistas Italianos:
Do século XVI ao XVII, impera na Itália o madrigal, a conjunção perfeita entre música e texto. O madrigal é herdeiro direto das chansons francesas, que já possuem caráter descritivo, como o canto de pássaros, os gritos de pregão nas ruas, a narração de batalhas. Baseia-se na prática polifônica e na homofonia nascente, além da monodia medieval. A música, inspirada pelo texto, é fortemente descritiva.
Certos recursos sonoros são utilizados em situações determinadas: movimentos cromáticos se associam à tristeza, um intervalo de quarta ou quinta descendente corresponde ao choro etc. Por seu caráter dramático, o madrigal é o elo de ligação entre a música modal medieval e renascentista e a música tonal do barroco, classicismo e romantismo. Seus principais compositores são Luca Marenzio (1554-1599), A. Gabrieli (1510-1586), Carlo Gesualdo di Venosa (1560-1613) e Cláudio Monteverdi (1567-1643).

Música na Escola


Agora é lei! Criança na escola terá que cantar e tocar instrumentos! As escolas do ensino básico - públicas ou particulares - no Brasil inteiro serão obrigadas a oferecer aula de música.

Segundo especialistas, a música faz o aluno aprender melhor as outras matérias.
E para mostrar como a música pode mudar a vida de uma criança, o músico Lucas Ciavatta mostra um método de educação musical criado por ele em 1996.
O Bloco do Passo é um grupo de percussão e canto dirigido por ele e composto por jovens entre 17 e 22 anos. A força e a criatividade da música do bloco vêm impressionando e surpreendendo o público que o assiste. O que causa maior admiração é a variedade e a riqueza das propostas musicais apresentadas com precisão e qualidade. O repertório do grupo inclui ritmos, como o samba, o maracatu, o congo, o alujá; cantos, como Emboladas e Incelenças; e experimentações que investigam as relações de tempo e espaço. “O Passo é um modelo de regência com os pés. Cada um é o seu próprio maestro”, disse.
Confira o vídeo!


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segunda-feira, 14 de setembro de 2009

Música no Período Medieval

O período é marcado pela música modal praticada nas himnodias e salmodias, no canto gregoriano, nos organuns polifônicos, nas composições polifônicas da Escola de Notre-Dame, na Ars Antiqua e Ars Nova e ainda na música dos trovadores e troveiros.


MÚSICA MODAL
A música modal se caracteriza pela importância dada às combinações entre as notas e a seus resultados sonoros particulares. De acordo com a função e o texto cantado, o compositor usa um modo escalar diferente. O fundamento da música modal é a composição melódica, seja em uma monodia (uma só melodia) ou em uma polifonia (mais de uma melodia, simultâneas).
Himnodias e salmodias – A música erudita no ocidente começa com a proliferação das comunidades cristãs, entre os séculos I e VI. Suas fontes são a música judaica (os Salmos) e a música helênica sobrevivente na antiga Roma. As principais formas musicais são as salmodias cantos de Salmos ou parte de Salmos da Bíblia e himnodias, cantos realizados sobre textos novos, cantados numa única linha melódica, sem acompanhamento. A música não dispõe, então, de uma notação precisa. São utilizados signos fonéticos acompanhados de neumas, que indicam a movimentação melódica.
Monodia gregoriana – A rápida expansão do cristianismo exige um maior rigor do Vaticano, que unifica a prática litúrgica romana no século VI. O papa Gregório I (São Gregório, o Magno) institucionaliza o canto gregoriano , que se torna modelo para a Europa católica. A notação musical sofre transformações, e os neumas são substituídos pelo sistema de notação com linhas. O mais conhecido é o de Guido d’Arezzo (995? 1050?). No século XI, ele designa as notas musicais como são conhecidas atualmente: ut (mais tarde chamada dó), ré, mi, fá, sol, lá, si.


Música Polifônica
Os sistemas de notação impulsionam a música polifônica, já em prática na época como a música enchiriades, descrita em tratado musical do século IX, que introduz o canto paralelo em quintas (dó-sol), quartas (dó-fá) e oitavas (dó-dó). É designado organum paralelo e no século XII cede espaço ao organum polifônico, no qual as vozes não são mais paralelas e sim independentes umas das outras.
Escola de Notre-Dame – A prática polifônica dá um salto com a música desenvolvida por compositores que atuam junto à Catedral de Notre-Dame. Eles dispõem de uma notação musical evoluída, em que não só as notas vêm grafadas, mas também os ritmos a duração em que cada nota deve soar. Mestre Leonin e Perotin, o Grande, são os dois principais compositores dessa escola, entre 1180 e 1230. Ambos, em seu modo de composição rítmica, além da elaboração de vozes novas sobre organuns dados, se abrem para composições autônomas. Abandonam o fluxo rítmico do texto religioso, obedecido no canto gregoriano, em troca de divisões racionais, criando a base para escolas futuras.


Ars Antiqua – Desenvolve-se entre 1240 e 1325, e suas formas musicais perduram até o fim da Idade Média: o conductus, o moteto, o hoqueto e o rondeau. O moteto é composto a partir de textos gregorianos que recebem um segundo texto, independente e silábico, cada vogal corresponde a uma nota, seja esta repetição ou não da antecedente. Essa necessidade de cantar cada vogal num novo som impulsiona a notação rítmica. Os motetos que mais se destacam são realizados com textos profanos sobre organuns católicos.


Ars Nova – De 1320 a 1380 impera a Ars Nova, denominação de um tratado musical do compositor Philippe de Vitry. O organum e o conductos desaparecem, e o moteto trata de amor, política e questões sociais. Variados recursos técnicos são utilizados para dar uniformidade às diversas vozes da polifonia: as linhas melódicas são comprimidas ou ampliadas e muitas vezes sofrem um processo de inversão (sendo lidas de trás para diante).
Guillaume de Machaut é o grande mestre desse período. Utiliza, com precisão, recursos como os baixos contínuos e a isoritmia – relação de proporcionalidade entre todas as linhas melódicas da polifonia, possibilitando que as vozes se desenvolvam sobre uma única base rítmica.


Música profana – A atividade de compositores profanos, como os minnesangers e os meistersangers germânicos e os trovadores e troveiros franceses, é intensa entre os séculos XII e XIII. Os trovadores da Provença, ao sul da França, e os troveiros, ao norte, exercem forte influência na música e poesia medievais da Europa. Suas músicas de cunho popular, em dialetos franceses, enfatizavam aforismos políticos (como no compositor-poeta Marcabru), canções de amor (Arnaud Daniel, Jofre Rudel e Bernard de Ventadour), albas, canções de cruzadas, lamentações, duelos poético-musicais e baladas. A base para suas melodias são os modos gregorianos, porém de ritmo marcado e dançante, com traços da música de origem moçárabe do mediterrâneo.
Adam de la Halle (1237-1287) troveiro francês, menestrel da corte de Roberto II de Arras, a quem acompanha em viagens a Nápoles. Trata seus poemas em composições musicais polifônicas, como os 16 rondós a três vozes e 18 jeu partis (jogos repartidos), em que se destacam o Jogo de Robin e Marion e o Jogo da folha, que podem ser classificados como as primeiras operetas francesas.

domingo, 13 de setembro de 2009

Música na Antiguidade

Lição de Música com Liras
cerâmica do séc. VI a.C

MÚSICA:

É definida, tradicionalmente, como a arte de combinar sons para obter efeitos expressivos. Pode também ser compreendida como a arte de combinar som e silêncio. A partir de experiências revolucionárias da música contemporânea admite-se até a música feita só de ruídos ou silêncio.

Música erudita ocidental:

Assim como em outras culturas, no ocidente distingue-se a música popular, de bases coletivas, da música erudita, cujo código nem sempre é acessível a todos. Essas duas vertentes ora se tocam, ora se afastam, a ponto de uma criar transformações na outra.
A história da música erudita ocidental está associada à Igreja, às cortes, aos salões da burguesia, às salas de concerto e às universidades.

  • Música na Antiguidade

A música no ocidente, assim como as mais diversas manifestações artísticas, tem sua origem na Grécia e Roma antigas.
Grécia – Grande parte da terminologia musical, dos modos musicais e dos tipos de temperamento (afinação) das escalas originam-se na teoria musical grega.
No século VI a.C. Pitágoras demonstra proporções intervalares, numéricas, na formação das escalas musicais. São bases severas para evitar o subjetivismo incontrolável. A essa posição se opõe Aristogenos de Tarento, para quem a base de uma teoria musical não é numérica e sim a experiência auditiva.
Os gregos desenvolvem vasta teoria e produção musical ligadas às festividades e ao teatro . Uma parte dessas composições é recuperada graças a notação musical baseada no alfabeto, como os Fragmentos de Eurípedes e a Canção de Seikilos.
Roma – Escravos romanos oriundos da Grécia e cercanias difundem a tradição musical grega e tornam-se figuras centrais da música romana, presente em exibições de lutas e espetáculos em anfiteatros.
Os romanos recompilam, nos séculos II e IV a.C., a teoria musical grega. Destacam-se Euclides de Alexandria (século III a.C.), Plutarco (século I a.C.) e Boécio, que no ano 500 d.C. traça as bases da teoria musical da Idade Média latina.

Cena de banquete ao som

de música de aulos

Cerâmica 450 a.C


Períodos da Música Clássica

Ao que as pessoas em geral chamam de Música Clássica correspondem, na verdade, uma série de estilos musicais diferentes, que têm a sua origem em vários períodos da história, tanto da música, como da Humanidade. Uma das classificações mais utilizada divide a história da música nos períodos:
  • Medieval
  • Renascentista
  • Barroco
  • Clássico
  • Romântico e
  • Moderno
A data precisa de início e final de cada período é fonte de aceso debate acadêmico e muitos admitem (talvez com razão) que não existe nunca um tempo preciso, mas sim um largo intervalo entre eles. É também próprio dizer que esses estilos mudam em diferentes locais, a diferentes ritmos, portanto uma data pode não ser necessariamente válida para todas as regiões da Europa. Posto isto, aqui se encontram as datas *aproximadas* que limitam cada um dos períodos. Alguns deles defasados, como podemos ver, visto que alguns compositores adotam novos estilos antes que outros os implantem.
  • Antigo: 1100-1300
  • Medieval: 1300-1430
  • Renascença: 1430-1600
  • Barroco: 1600-1750
  • Clássico: 1750-1827
  • Romantismo: 1810-1900
  • Moderno: 1890+
Esta decomposição tenta categorizar as mudanças fundamentais na atitude e no estilo de determinados compositores e pode ser também um excelente indício de que se uma pessoa gosta da música de um compositor de determinado período, existem grandes hipóteses para que essa mesma pessoa goste da música de outros compositores do mesmo período. No entanto, não há nada de mais gratificante do que experimentar a música de *todos* os períodos.

sexta-feira, 11 de setembro de 2009

Tchaikovsky

Concerto n°1 para Piano e Orquestra

quinta-feira, 10 de setembro de 2009

Nelson Ayres

Nelson Luís Ayres de Almeida Freitas, mais conhecido como Nelson Ayres (São Paulo, 14 de janeiro de 1947) é um produtor musical, arranjador, instrumentista (pianista), regente e compositor.

Orquestra Jovem do Estado de São Paulo


segunda-feira, 24 de agosto de 2009

domingo, 16 de agosto de 2009

sexta-feira, 14 de agosto de 2009

Sinfonia n°6 "Patética" Tchaikovsky



Linda!! Apesar dos desagradáveis e irritantes ruídos da platéia...

quinta-feira, 13 de agosto de 2009

Ópera- rock

O Globo Cultura

Reuters/Brasil Online

PARIS (Reuters Life!) - Uma ópera-rock baseada na vida de Wolfgang Amadeus Mozart, um dos maiores gênios da música do Ocidente, vai estrear em Paris no mês que vem, no que o produtor diz ser um tributo à "primeira estrela do rock."

Reverenciado como prodígio desde tenra idade, Mozart se tornou uma das personalidades mais significativas da cultura europeia, com a sua prolífica produção de óperas, concertos, músicas de câmara, sinfonias e coros.

Mas os produtores do espetáculo estão mais interessados no rebelde cabeludo apresentado na versão do filme "Amadeus," de 1984, sobre a vida do músico.

"Pela atitude dele, Mozart foi o primeiro "rock star." Ele se revoltou contra os princípios e as normas de sua época, ele morreu jovem e era um libertino," disse o co-produtor Albert Cohen.

"Ele também foi o primeiro músico a se tornar um artista independente; para nós, uma ópera-rock parecia o único tratamento apropriado."

A ópera apresentará os altos e baixos e as buscas românticas da vida do compositor desde os primeiros dias na cidade natal, Salzburgo, até a fama internacional em Viena.

O musical de 6 milhões de euros contará com 60 atores, cantores e músicos vestidos com figurinos da época, violinistas no estilo do Século 18 acompanhados por uma banda de rock ao vivo, e movimentados refletores de luz.

"Mozart, L'Opera Rock" vai estrear no Palais des Sports, em Paris, no dia 22 de setembro, antes de sair em turnê pela França em 2010.

Fonte: Blog Jandira Feijó

sábado, 8 de agosto de 2009

Sinfonia Júpiter- Mozart

Woody Allen disse uma vez que Mozart's Symphony 41 revelou a existência de Deus. Certamente, uma sinfonia de tal grandeza e importância, até ao Verão de 1788, nunca tinha sido antes vista no universo musical. Suas implicações para a direção de música no futuro, e sua influência futura sobre os compositores é incomensurável. O que faz Mozart's Júpiter sinfonia digna de compartilhar o nome do mais poderoso deus do mundo romano?
A resposta a esta pergunta vem na Molto Allegro, e mais especificamente no seu Coda, (8:09-8:36). Na Coda, Mozart leva a cinco temas musicais ou melodias que foram desenvolvidos ao longo do último movimento, e não algo que ninguém jamais alcançado na medida em que ele fez, nem mesmo o ilustre Beethoven.
O que Mozart faz não é levar estes cinco temas e combina-las para criar um Fugato em cinco partes contraponto. Ou seja, ele assume a cinco melodias e simultaneamente desempenha-os em uma variedade de combinações e permutações. Imagine cinco melodias distintas, todos com as suas próprias notas, sendo reproduzido simultaneamente, mas cada um constante mutação. É impossível para o ouvido humano concentrar-se na enorme quantidade de notas que esta sendo jogado simultâneamente e em constante mutação . O efeito é que a música parece abarcar uma infinita quantidade de som. Com duas ou três partes, é por vezes possível sentir tudo o que está acontecendo. Depois de chegar a quatro vozes, é quase impossível detectar todas as nuances das melodias. Com cinco, bem, só Deus poderia compreender completamente a sua profundidade.

Este é o Inglês Jeffrey Tate e orquestra de câmara exercem a Molto Allegro de Mozart's Symphony 41 em C Major.

quarta-feira, 5 de agosto de 2009

Qual a sua sinfonia preferida?

É a pesquisa que esta acontecendo no blog "DIZ QUE NÃO GOSTA DE MÚSICA CLÁSSICA?"! Então resolvi postar aqui as sinfonias que estão concorrendo, mesmo que as vezes não estejam completas, já dá para dar uma pequena demonstração da peça. A primeira que vamos apreciar será a Sinfonia n° 9 de Beethoven.
Boa Audição
!



terça-feira, 4 de agosto de 2009

Camille Saint- Saëns


Camille foi compositor, pianista e organista. Nasceu em Paris em 9 de outubro de 1835 e faleceu em Argel, em dezembro de 1921.

Porque ele queria ser considerado um compositor de música substancial, Camille Saint-Saëns reprime seu "Carnaval dos Animais" pouco após sua estréia, em 1886, impedindo qualquer execução da suite e publicando apenas um movimento, "O Cisne" , em sua vida. E enquanto esse movimento é uma adição bem-vinda para peças escritas para o violoncelo, o conjunto "zoological fantasia" é mais um exemplo bem sucedido da humourously themed música no repertório clássico e tornou-se, com pleno direito, uma das mais populares obras do compositor.


É uma suíte de 14 peças curtas e foi inicialmente classificada para, à primeira vista, bastante pequena câmara grupo de flauta, clarinete, dois pianos, vidro gaita, xilofone, dois violinos, viola, violoncelo e baixo duplo, mas geralmente é realizada hoje, com uma orquestra de cordas completa, e com uma substituição para o Glockenspiel raros de vidro (harmônica). Mas o brilho de Saint-Saens " a peça não reside apenas no número de surpreendentemente espirituoso e encantador representações dos animais, o compositor usa apenas os instrumentos que ele precisa neste momento, e chama a excepcional música a partir de diferentes combinações de seu compacto" cast " .

A gravação aqui é apresentada pela London Sinfonietta, sob a liderança de Charles Dutoit.

1. No. 1. Introdução & Royal mar do Leão (cordas e dois pianos). A introdução começa com o piano tocando um tremolo negrito, ao abrigo do qual as cordas entrar com um majestoso tema (esta secção recorda uma agitação uma das experiências quando algo estupendo está prestes a acontecer, nesta situação, o aparecimento de um circo desfilando, talvez ). Os pianos jogar um par de escalas indo em direções opostas para concluir a primeira parte do movimento. Os pianos, em seguida, introduzem um tema que transportam a maior parte do resto da introdução. Os textos prevêem a melodia, com os pianos ocasionalmente tendo baixa ou alta roda de oitavas ostinatos sugerindo o rosnar dos leões. O movimento termina com um fortíssimo nota de todos os instrumentos utilizados neste movimento.

2. N º 2. Galinhas & Roosters (cordas sem contrabaixo, dois pianos e clarinete). Este movimento está centrada em torno de um tema:bicando e jogado no piano e cordas, que lembra bastante os frangos bicando em grão. O clarinete desempenha pequenos solos acima do resto dos instrumentos ,em intervalos. No meio da seção, pode-se quase ver um galo de marcha ao longo das linhas de galinhas que nervosamente correm em torno dele.

3. Não. 3. Asses Wild (dois pianos). Os animais são bem retratado aqui, obviamente, a correr, uma imagem induzida pela constante, febrilmente rápida ascensão e para baixo movimento de ambos os pianos tocando escalas em oitavas.

4. No. 4. Tortoises (cordas e piano). Um pouco satírico, o movimento que abre com um piano tocando uma "tercina pulsing", figura no registo superior. As cordas, em seguida, desempenhar um maddeningly lento (tão lento, na verdade, que ele começa a soar como um dramático lamentar) .

5. No. 5. O Elefante (contrabaixo e piano). Esta seção é marcada Allegro Pomposo, a perfeita caricatura de um elefante. O piano toca uma valsa, como figura, enquanto o baixista a melodia abaixo dela. À semelhança do movimento anterior, esta é também uma piada musical: o material temático é retirado Felix Mendelssohn's "Incidentais Música para A Midsummer Night's Dream" e Hector Berlioz's "Dança do Silphs". Os dois temas foram ambos originalmente escrito para a alta, leve-atenuada instrumentos (flauta e vários outros woodwinds, e violino, em conformidade); a piada é que a Saint-Saens move esta para o menor e mais pesado-sonantes instrumento na orquestra, a dupla baixo.

6. Não. 6. O Kangaroos (dois pianos). A figura principal aqui é um padrão de "salto" quintas precedida pela graça notas.

7. Não. 7. O Aquário (cordas sem contrabaixo, dois pianos, flauta e gaita de vidro). A melodia é tocada pela flauta, apoiada pela cordas, em cima do tumultuoso glissando, como é executado no piano. O primeiro piano desempenha um descendente dez-em-um ostinato, enquanto o segundao desempenha um seis-em-um. Estes valores, bem como o ocasional glissando da gaita são evocativas de uma solução pacífica, palidamente-lit aquário.



As Músicas Eruditas mais conhecidas e executadas mundialmente

Ranking das 100 mais executadas em filmes, comerciais, desenhos animados, canções, vídeos games e toques!



















segunda-feira, 27 de julho de 2009

MUSICOTERAPIA

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Serenata de Schubert


Schubert at the Piano
(destruído no incêndio do Schloss Immerdorf em 1945)
Gustav Klimt (1862-1918)

Franz Schubert

Franz Peter Schubert (Himmelpfortgrund, 31 de Janeiro de 1797Viena, 19 de Novembro de 1828) foi um compositor austríaco do fim da era clássica, com um estilo marcante, inovador e poético do romanticismo. Escreveu cerca de seiscentas canções (o "Lied" alemão), bem como óperas, sinfonias, incluindo ("Sinfonia Incompleta") sonatas entre outros trabalhos.

Ständchen (serenata)

Leise flehen meine Lieder
durch die Nacht zu dir;
in den stillen Hain hernieder,
Liebchen, komm zu mir!
Flüsternd schlanke Wipfel rauschen
in des Mondes Licht;
des Verräters feindlich Lauschen
fürchte, Holde, nicht.
Hörst die Nachtigallen schlagen?
Ach! sie flehen dich,
mit der Töne süssen Klagen
flehen sie für mich.
Sie verstehn des Busens Sehnen,
kennen Liebesschmerz,
rühren mit den Silbertönen
jedes weiche Herz.
Lass auch dir die Brust bewegen,
Liebchen, höre mich!
Bebend harr' ich dir entgegen!
Komm, beglücke mich!

P. Q. P. Bach

P. Q. P. Bach

sábado, 25 de julho de 2009

O Trenzinho Caipira

Heitor Villa-Lobos

Bachianas brasileiras n° 2 para orquestra de câmara

Assim como a n° 1, foi composta em 1930 e estreada em Veneza por Alfredo Casella. Existem quatro movimentos, cada um re-explorando alguma peça mais antiga para piano ou para violoncelo e piano.

  • Prelúdio (O Canto do Capadocio) - Adagio - Andantino
  • Ária (O Canto da Nossa Terra) - Largo
  • Dança (Lembrança do Sertão) - Andantino moderato
  • Tocata (O Trenzinho do Caipira) - Un poco moderato
Este movimento se caracteriza por imitar o movimento de uma locomotiva com os instrumentos da orquestra. A melodia recebeu letra composta por Ferreira Gullar

Uirapuru

O Uirapuru é uma ave muito comum na Amazônia Brasileira. Possui um canto longo, de uma melodia suave. Dizem que ele canta cerca de quinze dias por ano. Os nativos da floresta relatam que quando o Uirapuru canta, toda a floresta fica em silêncio rendendo-lhe homenagem.



Em 1917, Heitor Villa- Lobos compõe uma sinfonia intitulada "Uirapuru", baseado em material do folclore coletado em viagens pelo interior do Brasil


sexta-feira, 24 de julho de 2009

Partitura de Canto Gregoriano


Três antífonas do Advento estão escritas sobre esta página:

Ecce nomen Domini venit de longinquo et claritas eius replet orbem terrarum

(Eis que o Senhor vem de longe e sua glória preenche o mundo inteiro.)

Leva, Jerusalem, oculos et vide potentiam regis: ecce Salvator venit solvere te a vinculis

(Levante os olhos, Jerusalém, e veja o poder do rei: Ele que é o Salvador vem libertar-te de tuas impurezas.)

Antequam convenirent inventa est Maria habens in utero de Spiritu Sancto

(Antes mesmo de que vivessem juntos, Maria se achava grávida pela intervenção do Espírito Santo.)